Hapening

Hapening: surge en 1950 caracterizada por la participación de los espectadores.

Autores: Cage, Kaprow, Tadeusz Kantor, Joseph Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al Hansen, Roy Lichtenstein,

Los happenings integran el conjunto del llamado performance arty mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad. El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

 Imagen elegida:

Jhon Cage:
John Cage (1912-1992) USA, antes que músico, fue un revolucionario teórico del arte. Su obra, entre muchos otros factores, tiene que ver con la relación entre sonidos y silencios, es famoso por haber compuesto la obra “4:33” que consiste en un pianista que se sienta en el banquillo de un piano, abre una partitura, enciende un cronómetro, cuando lo indica el tiempo le da vuelta a la página en la partitura y al terminar los 4 minutos con 33 segundos cierra el piano y termina la obra, es decir, es una pieza compuesta únicamente por silencios, no hay un sólo sonido. Esta pieza en particular se basa en el concepto de que si la música es una combinación entre sonidos y silencios, bien puede existir una composición que únicamente se componga por silencios. También su obra a sido relacionada con las artes visuales y se considera pionero en terrenos como performance o happening.
Enlaces Utilizados:
http://regioncuatro.com.mx/?p=9218

http://es.wikipedia.org/wiki/Happening

 

Hiperrealismo

El hiperrealismo surge en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
Autores: Víctor Venegas Espinoza,  D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo


Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.

En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

 Imagen elegida:

Ricardo Moraga:

Ricardo Moraga (Santiago de Chile, 1955) , licenciado en Bellas Artes. Pontificia Universidad Católica de Chile.

Desde el año 1975 realiza exposiciones que recorren las principales ciudades de su país. La versatilidad de sus creaciones y el compromiso que manifiesta en ellas, denotan un profundo lenguaje en su trabajo artístico. A partir de 1989, sus obras traspasan fronteras, y son presentadas en distintos países como Argentina, Brasil, Francia, Bulgaria y Canadá.

Con una dilatada trayectoria como profesor en la Facultad de Bellas Artes e Ilustrador Publicitario y Cinematográfico en EE.UU. y Francia, se traslada a España con el afán de profundizar en su obra, estableciéndose en el año 2001 en Barcelona donde reside actualmente, dedicado exclusivamente a su pintura.

Enlaces utilizados:
http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html

http://www.artelista.com/obra/8408800166593496-deoxidoysal.html

Arte Cinetico

El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

Autor: Naum Gabo

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.

 Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado..

Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. Este término apareció por primera vez en 1920 cuando Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Hoy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.

Imagen utilizada;

Naum Gabo KBE (5 de agosto de 1890 - 23 de agosto de 1977) era un escultor prominente del Constructivismo, así como un pionero del Arte cinético.

Nacido con el nombre de Naum Neemia Pevsner, lo cambia para evitar la confusión con su hermano mayor, Antoine Pevsner. Su principal influencia ha sido en Gran Bretaña dónde vivió en los años 1930 y presentó el Constructivismo a una generación de artistas como Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Victor Pasmore o Peter Lanyon que vinieron a dominar las artes visuales de postguerra.

Enlaces utilizados:

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cin%C3%A9tico

http://es.wikipedia.org/wiki/Naum_Gabo

Arte optico

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958.
Autores: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella y Josef Albers 

Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

 Imagen elegida:

Victor Vasarely:

Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.

Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.

Enlaces utilizados:

http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

http://portales.educared.net/wikiEducared/index.php?title=El_arte_%C3%B3ptico-cin%C3%A9tico

http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNHJ6Krr9eD7P7OVu6WcjTqdTJUlyvZsPkv1l5oJGP6SGOtSli8U-vNZrpGjYmiYR0z4vXFZxsQl-WF70EL3x32RRoy16L21aCDrrSfv-sjsUfg-wWY-T5qwfmEOxT1Hvhl3uU8SuOfH0/s1600/arte_optico_770aw.jpg&imgrefurl=http://moragabrieladisenio.blogspot.com/2010/04/proyecto-3-movil.html&usg=__wMS0uzRGWD2mH93mrRNvyGk7hRU=&h=350&w=350&sz=21&hl=es&start=0&zoom=1&tbnid=XaK0zyY11BwaRM:&tbnh=146&tbnw=146&ei=aW28TbTuOJOK0QHs6rDXBg&prev=/search%3Fq%3Darte%2Boptico%26hl%3Des%26sa%3DX%26biw%3D1024%26bih%3D485%26tbm%3Disch%26prmd%3Divns&itbs=1&iact=hc&vpx=634&vpy=123&dur=492&hovh=146&hovw=146&tx=100&ty=85&page=1&ndsp=10&ved=1t:429,r:3,s:0

http://www.diversica.com/cultura/archivos/2007/01/arte-optico.php

http://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Vasarely

Arte Pop

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX
Autores: James Rosenquist, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg, Andy Warhol. Se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine erótico. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Pop art quiere decir "Arte Popular", surge a final de los años 50 en Inglaterra y en Estados Unidos. El empleo de imágenes y de distintos temas del mundo de la comunicación, todo esto aplicado en las artes visuales.

 Utiliza mucho la técnica de la subteposición de diferentes elementos tales como la cera, el óleo, la pintura plástica, materiales de desecho, la fotografía y el collage ensamblando todos estas cosas.

   Imagen utilizada: Marilyn Monroe

 Andy Warhol (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustradorpintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras comopretenciosasbromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

Utilizó fotografías de gran tamaño, las que servían de base para pinturas al óleo o a la tinta, técnica que permitía la producción en serie de imágenese, realizando alteraciones menores en cada versión. De estas series, se destacan: las fotografías de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tze Tung, y la lata de sopas Campbell.

Andy Warhol y sus obras, encontraron eco en los años 60, junto a un grupo de artistas plásticos, actores, músicos escritores y otros miembros del underground neoyorquino, en el taller creativo Factory, donde se abocaban a la producción de cuadros donde la firma del autor operaba como una marca registrada.

Enlaces utilizados:

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

 Los términos surrealismo y surrealista proceden de Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido: una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.

La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama: Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.

 Imagen elegida: La persistencia de la memoria.

La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm.En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro.
 Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando".

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. (Figueras, España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989),
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.
Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales.
Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística

Enlaces utilizados:

http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria

Dadaismo

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.

Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos Dadá: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

A pesar de no ser una parte extensamente conocida de la obra de Dadá, la influencia del dadaísmo se extiende a la música.

El Dadá es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial.

Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.

Dadamatinée:

Doesburg:

Theo van Doesburg (Utrecht, 30 de agosto de 1883 - Davos, 7 de marzo de 1931) fue un pintor, teórico, poeta y arquitecto neerlandés.
En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el naturalismo hasta 1916, cuando, al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los primeros números de la revista De Stijl, portavoz del movimiento neoplasticista. En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se vé influenciado por la estética de su amigo y compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió un manifiesto en el que explicaba el arte elementarista. En su obra arquitectónica son destacables el restaurante «Aubette», que construyera en Estrasburgo en colaboración con Cornelius van Eesteren (1926-28), y su casa-estudio de Val-Fleury, en Meudon (Hauts-de-Seine).

Enlaces utilizados:

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Theo_van_Doesburg_Dadamatin%C3%A9e.jpg

http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

http://es.wikipedia.org/wiki/Theo_van_Doesburg

Arte abstracto

El Arte abstracto surge alrededor de 1910, este movimiento tuvo lugar en Alemania, Holanda y Rusia.

La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Además se puede decir que es un lenguaje no figurativo.

El código de kandisky es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con una gran gama cromática. Se interesa mucho por el color y la expresión que hay en las pinturas.

El arte abstracto usa un lenguaje visual de froma, color, linea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Los artistas mas destacados son: Mondrian, Malevich, Paul klee y Jason Pollock.

Imagen elegida:

   Wassily Kandiski nació en Moscú en 1866. Desde 1886 a 1889 estudiaba Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.

En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve, también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1909es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias es paciales.

Enlaces utilizados:

http://clandestinodeactores.com/laplacenta/?tag=kandinsky

http://es.wikipedia.org/wiki/Wassily_Kandinski

Futurismo

El futurismo surgió a principios del siglo XX (1909) en Milán, Italia. 

 Es un movimiento artístico que se manifestó en muchos fenómenos del arte como la pintura, la escultura, el diseño gráfico, la arquitectura, el cine, la literatura, entre muchos más.

Los temas preferidos en pintura son la ciudad y las figuras humanas en movimiento. Pintaban caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. Además representaban el sonido como una sucesión de ondas.

Su técnica se basaba en el simultaneanismo, dinamismo, divisionismo, multiplicación de líneas y detalles; movimientos, desmaterialización de los objetos, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo y una amplia gama de colores.

Generalmente se buscaba representar el movimiento de personas, y el rechazo al pasado y la tradición.

Ensalzaron el progreso, consideraron  símbolos de la civilización a la maquinaria y la velocidad (autos, aviones, etc) y abogaron así una nueva forma de expresión artística,  regida por los principios de la llamada “civilización de las maquinas”.

Los autores más destacados de este movimiento son: Humberto Boccini y Biaccano Balla.

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Luigi Russolo se estableció en Milán en 1901 recibiendo influencias de Boccioni entre otros. Al principio practicó el divisonismo. Miembro del Futurismo, fue uno de los firmantes del Manifiesto de los pintores futuristas. Desde 1913 en que publicó el manifiesto El arte de los ruidos, el manifiesto futurista de la música, se dedicó principalmente a ésta. Fue gravemente hérido en laPrimera Guerra Mundial. Años después se reintegró a su actividad musical.

 Por cuestiones políticas hubo de dejar Italia, pasando a Francia y luego a Tarragona, donde se interesó por el ocultismo. Volvió a la pintura a principios de la década de los 40 practicando un estilo que él denominó «clásico moderno».

Con respecto a la música fabricó instrumentos que producían ruidos urbanos y de la civilización industrial como el rumorarmonio (o russolófono) y el «arco armónico». Estos artefactos, que se perdieron durante la Segunda Guerra Mundial, son considerados precursores de la música electrónica.

 La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Enlaces utilizados:

http://blog.hotchoclo.net/espejos-en-el-futurismo/

http://enciclopedia.us.es/index.php/Luigi_Russolo

http://www.arteespana.com/futurismo.htm